古希腊音乐主要是单声部音乐，一般音域不宽、适合传唱，有自然音类型以及自然音与各种变化音(半音或小于半音)混合的旋律风格，音乐同舞蹈、诗歌紧密结合，歌唱时可以有乐器伴奏，用字母记谱，歌词往往是当时的重要诗篇，节奏较复杂，即兴性强。

古罗马的音乐特点是：(1)崇尚希腊音乐文化，但音乐观念不同，音乐为奴隶主所用；(2)音乐朝实用化、典仪化方面发展，军乐、铜管乐得到发展；(3)与古希腊音乐的另一个重要区别是音乐的职业化；(4)民间音乐发展，罗马人将音乐引入到社会活动的各个方面；(5)完成了音乐与诗歌的分离，将文化传播至欧洲各国；(6)基督教音乐发展。

格里高利圣咏的基本特征是：(1)基本功能服从宗教礼拜活动，肃穆、节制、最大限度地排斥感性欲念；(2)最一般的是无伴奏、纯男声歌唱的单声部音乐形式；(3)以拉丁文为歌词，即兴式而无明显节拍的节奏特征，建立在单纯的自然音阶基础上；(4)旋律音调平缓，以级进和三度进行为主，偶有四、五度跳进，整个音乐音域较窄。

文艺复兴时期音乐的总体特点：提倡用母语进行歌曲创作，各国各民族开始注重自身音乐风格的建立；强调音乐与歌词的联系，出现“词语描绘”的创作手法；开始追求听觉的舒适与愉悦，避免不协和音程的出现，注意将协和音程放在强拍位置；出现独立的器乐曲，拓展了创作的空间。

勃艮第乐派的创作特点是：(1)创作体裁主要有弥撒曲、圣母颂歌、经文歌和世俗尚松等；(2)旋律和节奏的发展集中在高声部；(3)旋律进行常以三度音程为主；(4)常用的终止式仍是14世纪所用的终止式以及“兰迪尼终止式”；(5)乐曲的各声部常用和弦法处理，假低音的技巧常被采用。

法—佛兰德乐派的创作特点是：(1)宗教作品体裁主要是弥撒曲和经文歌，世俗体裁如法国尚松、德国利德、意大利牧歌；(2)复调各声部具有相等重要性；(3)和声功能简单、音响丰满、节奏流畅；(4)正格与变格终止取代“假低音”技巧和兰迪尼终止式；(5)作品中交替使用和弦式风格和对位处理。

海顿的创作充满着健康、明朗、幽默、轻松的气息。清新朴素的旋律，在气质上保持着与民间音乐的联系，粗犷质朴的民间舞曲被他自如地引入到高级的交响曲形式，和声、织体上的明晰，结构上的均衡、讲究，这一切构成了海顿创作的总体风格，使他成为维也纳古典乐派的奠基人。

威尔第歌剧的创作特征是：(1)既有体现爱国和民族情感的题材，也重视文学戏剧名著；(2)采取传统分曲结构，但注意分曲间有机联系，运用了主导动机手法；(3)以声乐为主，并不忽视管弦乐队的作用，同时加强音乐表现戏剧的作用，使声乐、器乐的表现与舞台效果保持平衡；(4)以民间音乐为基础并借鉴外国先进经验；(5)在塑造人物形象，描绘人物性格、心理和戏剧环境方面取得空前成就。

普契尼的歌剧创作特征是：(1)题材多以现实生活为背景，从普通群众的生活中发掘情节感人的事件；(2)继承了意大利歌剧的以声乐取胜的民族传统，又有着个人的独特风格；(3)他吸取了瓦格纳歌剧中的优点，在服从声乐的前提下，充分发挥管弦乐的表现作用，运用主导动机的手法；(4)和声方面吸取了德彪西和早期斯特拉文斯基的特点，根据不同的需要，运用了半音化的和声、平行五度的和声等，创造丰富多彩的和声效果。普契尼喜爱鲜明的地方色彩，追求异国情调。

民族乐派的任务与目标是：他们肩负着创造和发展民族音乐的任务，他们追求的目标一是民族的内容，二是民族的形式。在内容方面，要求在作品中反映祖国历史和民族性格，描绘人民的风俗生活，或采取本国的民间故事和文学作品作为题材，以激起听众的民族自豪感和爱国情感。在形式方面，要求运用民族民间的体裁形式和音乐语言，或直接采用民族民间音乐素材，表现出鲜明的民族风格。

20世纪的音乐特征是：调性体系的弱化或打破；旋律的扩展或淡化；功能和声体系的削弱与突破；节奏、节拍的自由与复杂化；音响材料范围的扩大；音乐传播和音乐语言的国际化；流行音乐的影响；音乐创作的大众化趋势。

中世纪宗教音乐占有重要地位，但是，世俗音乐仍然不断发展。世俗音乐与宗教音乐相比，有以下区别：(1)就声乐而言，世俗歌曲是一种单音音乐，其歌曲的即兴成分很浓，常常带有乐器伴奏；宗教声乐作品、多声的复调音乐较为常见，但也有单音声乐；(2)世俗音乐的歌词采用押韵的诗，并且多用地方语言；而宗教音乐的词则是散文式的，多采用拉丁文；(3)世俗音乐多采用分节歌或主副歌的形式；宗教音乐形式则多样一些；(4)世俗音乐在调式上多采用伊奥利亚和爱奥尼亚调式；而宗教音乐采用十二种教会调式；(5)世俗音乐的器乐已经产生，不仅用于声乐、舞蹈的伴奏，也用于演奏各种器乐曲；而宗教音乐主要是声乐。13世纪以后，除了管风琴以外，一切乐器都被禁止使用。

马丁·路德的宗教改革运动改变了罗马教会长期统一的礼拜仪式、宗教音乐和教会语言等许多方面。首先，语言改革。格里高利圣咏中主要使用拉丁文圣经内容，对于德国民众来说，解读拉丁文是十分困难的事，为此路德将《圣经·新约》译成德语，创造出用德语演唱的新教圣咏——众赞歌。其次，曲调改革。通俗易懂的歌词使曲调产生多种的处理方式：有的仍然采用原来的格里高利圣咏曲调，根据改换的德文歌词，在节奏上略微改变；有的则采用以往的非礼仪性宗教歌曲形式，如众赞歌、经文歌；还有的直接采用世俗曲调，填以宗教性质的德文歌词，即所谓的“换词歌”。新创作的曲调创作原则基本遵循尼德兰乐派的复调写作手法，使单声部的新教歌曲成为四部和声的圣咏合唱。

巴洛克时期音乐的特征是：(1)支持宣叙调的通奏低音，是巴洛克时期特有的作曲手段；(2)主导音乐思想为情感类型说；(3)大小调调性体系趋于成熟，曲式结构逐步定型；(4)声乐、器乐并行发展，出现乐曲的速度术语、表情术语等；(5)世俗、宗教音乐并存；(6)主调、复调并存；(7)十二平均律付诸实践；(8)记谱法日渐完善，五线谱逐渐定型。

巴洛克时期音乐风格的特点是：(1)在对位法上，复调音乐达到全盛，并向主调风格上有了较大的转移；(2)在和声上，数字低音的使用导致了和声学的诞生，正格终止取代了调性终止式，半音和声使用得更为广泛，转调更自由，不协和音的引入、处理也较大胆；(3)在调性上，大小调取代了中古调式；(4)音乐术语上，出现了指示乐曲速度或表情的术语；(5)即兴演奏比任何一个时代都更有特点，在装饰曲调、变化主题、终止式以及对位的处理上，都更自由、深刻；(6)在音乐体裁方面，出现了歌剧、清唱剧、康塔塔、受难曲、协奏曲、大协奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格曲等新的音乐体裁。

古典主义时期的音乐风格可以概括为理性主义音乐。具体包括以下几个方面：(1)旋律追求优美动人的气质，倾向于方整性结构，与民间歌舞的联系更为紧密；(2)调性、和声的安排上升为结构作品的重要因素，段落有明显的终止式，和声简洁；(3)从短小动机孕育出丰富乐思的技巧得到蓬勃发展，乐章中主题的对比变化取代了巴洛克单一主题模进展开；(4)通奏低音逐渐被明确的乐器记谱所取代；(5)当时常用的体裁是奏鸣曲、协奏曲、交响曲和四重奏等，常用的曲式除了二部曲式、三部曲式及变奏曲式外，奏鸣曲式的发展最为充分；(6)在古典乐派的作品中，注重形式的统一和结构的严整，在内容与形式的关系上追求二者平衡。

格鲁克针对意大利正歌剧内容贫乏、空洞，形式日益僵化等弊端，提出了歌剧改革的主张。他改革的原则有：(1)选取具有社会意义和伦理道德意义的题材，在古代神话与历史题材的基础上，赋予18世纪人道主义精神；(2)抛弃外表浮夸的形式主义创作方法，要求作品质朴、自然、真实，体现了启蒙主义“回到自然”的精神；(3)强调音乐与剧情的联系，注重人物心理刻画，避免因歌者的虚荣、炫技而不顾剧情，注重音乐的统一性与完整性；(4)强调歌剧序曲的作用，加强了宣叙调的旋律性，并用管弦乐伴奏；(5)恢复了古希腊悲剧中合唱的不可替代的作用；(6)专门编创舞蹈使之与剧情、人的处境和情感相符合；(7)把乐队记谱改为各声部明确的总谱写法，代替了原来“数字低音”的写法。

贝多芬的音乐风格是：(1)旋律继承海顿式的动机展开手法，又吸收莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征；(2)节奏上频繁的变换，切分和休止所造成的动力性、不平衡感，和声、调性上不谐和、不稳定范围的扩大，力度上大幅度的起伏等，构成了贝多芬音乐强烈的感染力和气魄；(3)配器上受到法国大型器乐曲的影响，重视发挥铜管、木管的作用。乐队的编制和表现力明显超过海顿、莫扎特时期。他既是18世纪古典主义音乐的集大成者，也是浪漫主义音乐的开拓者。

浪漫主义时期的音乐创作风格是：(1)在旋律上，由于注重个人主观感受的抒发，抒情性大大加强，乐句结构的伸缩性很大；(2)在和声上，它在功能和声的基础上加强了色彩变化，不协和音的结构和进行大胆使用，七和弦、九和弦经常出现，半音转调作为取得特殊效果的重要手段；(3)在调性上，浪漫主义音乐仍然是以调性音乐为主，但由于半音和声和远关系转调的频繁运用，已有了调性含糊的感觉，到19世纪末，它慢慢向多调性和无调性方面发展；(4)在配器上，作曲家着力于诗意形象的刻画，讲究音乐与内容的情感气氛交融，他们探索着各种乐器组合的可能性，取得绘声绘色的音响效果；(5)在力度上，浪漫主义音乐作品的特色就是大幅度的力度转换和对比；(6)在形式结构上，此时期的音乐在形式结构上不断趋向自由，出现了许多单乐章的交响诗、序曲等体裁，各类小型体裁如狂想曲、随想曲、夜曲等，由于更易于自由抒发情感而应运而生，乐曲内容的段落结构也灵活多变，对传统曲式的增减取舍、混合运用亦屡见不鲜。

肖邦的钢琴音乐创作特点是：(1)肖邦继承和发展了波兰民族音乐文化传统，同时创造性地吸取了欧洲古典和浪漫主义时期音乐的成就，开拓了近、现代钢琴艺术的新天地；(2)在挖掘和丰富钢琴的表现力、扩大和提高钢琴的表现范围上，具有卓越的贡献；(3)肖邦在音乐的体裁形式运用方面是个大胆的改革者，他从思想内容的表现出发，既不抛弃传统结构，又不受其约束，创造了许多内容形式统一的独特形式，他还把一些原来简单的民间舞曲发展成大型的、甚至是史诗性的作品；(4)肖邦的作品极有个性，既有浓郁的波兰民谣气息，又有高贵的诗人气质，他很少使用民歌旋律，但始终保持波兰民族音乐的调性和节奏特征；(5)他的旋律气息宽广，优美如歌，但又是器乐化的，常为旋律加上双音和装饰音，使旋律线条柔顺平滑，他重视调的色彩，调性的变化常起到明暗对比的作用；(6)他的和声具有典型的浪漫音乐特色，他经常不遵守传统和声学原则，而是根据音乐表现需要，进行色彩性安排，造成冲突与对比效果，但在整个和声布局上，仍保持着清晰的功能逻辑；(7)他的节奏带有民族特征，爱用自由节奏，左手照节拍，右手弹奏的声部在乐句内部或松弛或收紧，突出幻想和奔放的性格；(8)钢琴踏板的有效运用，也大大丰富了钢琴的表现力。肖邦是历史上最有创造力的作曲家之一。

瓦格纳的“乐剧”理论(歌剧改革)：(1)乐剧应体现戏剧与音乐的完美统一，应选材于历史、神话、传说；(2)乐剧应将音乐、诗歌、舞蹈等作为“综合艺术形式”有机联系起来共同为表现戏剧思想服务；(3)主张音乐与戏剧紧密结合，取消宣叙调、咏叹调、合唱之间、场景之间、唱段之间的界限，使音乐成为连续不断的“无终旋律”；(4)充分运用并发展“主导动机”手法，贯穿运用于作品中；(5)在具体的和声、调性手法上，瓦格纳的乐剧突出了半音体系和声及连续不断的转调；(6)重视管弦乐队的作用，由伴奏的职能改为表现的职能；(7)重视乐剧脚本的写作，使歌剧充分体现出音乐与歌词之间的密切联系；(8)采用了特殊的“曲式结构”，整部作品成为曲式套曲式的复合体。

现代音乐的广义概念是20世纪创作的、在作曲技法、曲式结构、美学观念等方面都有所突破，由维也纳古典乐派所确立、在19世纪达到顶峰的作曲规范的音乐。其狭义概念则专指西方国家在两次世界大战之间、尤其是第二次世界大战之后出现的各种音乐流派，比如无调性音乐、十二音音乐、具体音乐等等。现代音乐的流派很多，很难简单地归纳，不过一般而言，都有以下特征：(1)在横向关系上，打破调式、调性的限制，自由地使用全部十二个音；(2)在纵向关系上，脱离传统的和声体系，大量使用“不协和”的和弦；(3)在音色上极力求新，包括用传统乐器探索新的组合和利用电子设备开发前所未有的、崭新的音响材料；(4)在创作的思维方式上，偏重于理性和逻辑，乃至于用数学法则来构筑作品。

歌剧是一种综合性的艺术体裁，它是戏剧与音乐的结合，同时也容纳了舞蹈、舞美等其他成分。歌剧在音乐上很丰富，包含了器乐与声乐，声乐中又包含了独唱、重唱、合唱等形式，其中，最主要的两种演唱形式就是独唱中的宣叙调与咏叹调。
   歌剧诞生于17世纪的意大利佛罗伦萨，世界上第一部公认的歌剧是1602年由蒙特威尔第创作的《奥菲欧》。歌剧以它独特的魅力逐渐成为欧洲最重要的音乐体裁。
   欧洲歌剧的发展大致可分为以下四个时期：
   (1)16～17世纪早期的意大利歌剧：这一时期的歌剧确立了ABA式的咏叹调格式，以及“快—慢—快”三段形式的歌剧序曲。此时的音乐常用盛大的场面合唱，给歌剧带来重音乐、轻戏剧的倾向，这种歌剧也称为正歌剧。这一时期的代表人物有斯卡拉蒂。
   (2)18世纪正歌剧改革与喜歌剧的兴起：这一时期正歌剧盛极而衰，《女仆做夫人》使得轻歌剧这种新体裁趋向成熟，并在法、英、德等国广泛传播，代表作有亨德尔的《乞丐歌剧》、莫扎特的《魔笛》等。
   (3)19世纪浪漫派歌剧和喜歌剧、意大利真实主义歌剧和民族歌剧：19世纪是盛产歌剧的时代，德国、法国、意大利涌现出一大批优秀的歌剧作曲家及作品，比才的《卡门》、普契尼的《蝴蝶夫人》、威尔第的《茶花女》《弄臣》《游吟诗人》都成为巅峰之作，瓦格纳更将歌剧的概念扩大，创作了综合艺术的乐剧《尼伯龙根的指环》。
   (4)20世纪的现代派歌剧：现代派的歌剧与现代派音乐一样，风格各异。印象派的、无调性的作品都相继产生。贝尔格的《沃采克》是较为重要的一部作品。综上所述，欧洲歌剧经历了漫长的发展道路，繁衍出丰硕的果实，产生了大量经典的作品，对世界音乐的发展做出了巨大的贡献。